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Los primeros textos editados por Honolulu Books

Cayó en nuestras manos un informe elaborado por el Ministerio de Educación y Cultura (sí, el mismo que elimina las subvenciones a las bibliotecas para la adquisición de fondos y revistas culturales), que decía que el panorama de la edición española está mayormente compuesto por “microempresarios culturales, que suman cerca del 70% del tejido editorial español (frente al 11,4% de medianos y al 3.3% de grandes)”.

Si de edición se trata, a nosotras nos interesa ese 70%, a ellos hemos dedicado algunos de los episodios de este podcast. Porque hay un dato que no reflejan estos números, y son los nuevos pequeños empresarios de la edición que aparecen casi cada mes.

En el programa que puedes escuchar arriba (o descargar) reunimos a tres, solo tres, de los muchos nuevos editores que hemos visto surgir en estos últimos meses. Allá afuera, arrecian las bombas en forma de malas noticias económicas. Mientras, en sus oficinas, en sus casas-despacho, se gestan proyectos editoriales que hacen ingresar aire fresco a nuestros dormitorios, a los lugares que reservamos para re-aprender a respirar.

Nos paramos a hablar con dos editoras en Barcelona y uno en Gijón. Preguntamos por cómo se les ocurre arrojarse a esta incierta piscina de la circulación de productos culturales, libros de tomo y lomo. Preguntamos por su diario, por los equipos, por las ilusiones puestas en juego, las apuestas que hacen que valga la pena la vida, o la empresa.

Nos contestan: Laura Huega de Rayo Verde Editorial. Francisco Álvarez de Seronda Ediciones. Y Ana Llurba de Honolulu Books, cuyos primeros tomitos ilustran este texto. A veces sus libros son pequeños. A veces editan demasiado poco como para destacar en los estantes. No será fácil que los encuentres en grandes cantidades, por mucho que se esfuerzan en generar una imagen reconocible, una distinción. Pero si preguntas, indagas, pides al librero o librera, quizá consigas que se rompa un poquito la maldición de los miles de libros que se editan y pasan, cuales fantasmas, por las mesas de novedades.

'El estudio de las estrellas', Javier Velasco

Cuando la filóloga Olalla Hernández terminó la carrera y empezó a trabajar en la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, dedicada a la difusión de la lectura, descubrió el mundo de la literatura infantil, “cómo concebir un libro para niños, cómo se lo llevan a su terreno, que los límites están mucho más allá y pocos los exploran. Y me enamoré de la narración gráfica”. Su padre es pintor y se recuerda desde pequeña imaginando las historias con imágenes, así que no es de extrañar que desde entonces se haya especializado en la promoción de la lectura, especialmente, de la imagen narrativa que “ni siquiera tiene que ser figurativa si la acompaña un texto que la complete” para que los niños la entiendan.

Olalla Hernández

Hablamos con Olalla en la Librería del Bosque de la Maga Colibrí, en Gijón, un laboratorio de la pasión por la lectura y por la infancia, donde semanalmente se organizan talleres para niños y adultos sobre ilustración, lectura, presentaciones de libros, formación para el profesorado… Sentados en una mesa que bien podría haber utilizado Tim Burton en Alicia en el País de las Maravillas, Olalla sirve cuidadosemente un oloroso té. “Los buenos libros ilustrados, al tener distintos niveles lectores, permiten al adulto que acompaña al niño no sentir que está haciendo algo que no le corresponde por edad o intereseses, sino que se interpreta dependiendo de tu capacidad intelectual….”. En este mundo se movía Olalla hasta que el editor de Thule, José Díaz, le ofreció dirigir una nueva colección de cómic infantil cuando supo que ella estaba haciendo su doctorado sobre unos muy vanguardistas que se hicieron en Estados Unidos en el 2000, una experiencia que deseaba trasladar a España.

'Dónde perdiste tus alas maldito cosmonauta', David de las Heras

“Quería que integrara la ciencia ficción aunque me daba un poco de miedo porque los niños aún no tienen esos referentes ya que ni siquiera han descubierto su mundo, pero nos arriesgamos tocándola de una forma personal”. Y con este planteamiento nació Isla Flotante, que empezó a llamar la atención antes de llegar a las librerías gracias a su presencia y dinámica en Facebook, muy personalista y que desde el principio compartió trabajos interesantes de autores nacionales e internacionales. Pero sobretodo fue la edición de un fanzine con ilustraciones de las historias que van a integrar la colección las que marcaron el pistoletazo de salida y también de otros autores que han querido participar con alguna imangen en Isla Flotante. “No conocía ningún fanzine para niños y me parecía interesante recuperar la tradición de este formato”. La portada del conocido ilustrador Sergio Mora, autor entre otros muchos trabajos, del cuento Papá tatuado, es sólo la bienvenida a un compendio de nuevos talentos. Así pues, primero se colgó el pdf en la Red con la intención de sólo imprimir unos 1500 para libreros y las ferias del libro que se celebran esta primavera. Pero dado el interés que despertó entre los lectores, algunos en el extranjero, y la posibilidad de demandarlo fácilmente gracias a la actitud proactiva que la colección había abonado previamente en las redes, decidieron venderlos también por Internet.

“Con Isla Flotante queremos hacer cómics de creación. De hecho, sólo hemos comprado los derechos de uno, Buh, de Andy Runton, que conocí en Canadá”. Buh es relato con personajes que hablan a través de viñetas en las que no hay palabras sino dibujos. “Un día estaba una editora que sabe muchísimo de libros en casa y no era capaz de entenderlo. Curiosamente el hijo de una amiga se lo fue explicando viñeta por viñeta, por pura intuición. A eso me refiero con los límites”.

Sonja Danowsky conoció Isla Flotante por Facebook y quiso participar en el fanzine con esta ilustración llamada 'Pensamiento Natural'

Los libros se están creando ahora, conjugando los conocimientos y el talento de los autores, muchos de ellos jóvenes, con la formación en la promoción de la lectura y la pasión novel por la edición de Olalla. El fanzine nos ofrece una panorámica de una colección arriesgada, volcada en unas ilustraciones vanguardistas y que llaman furiosamente a la curiosidad no sólo de los infantes sino también de los adultos.

“A través de Facebook hemos creado ese universo donde ese sello de un huevo flotante (logo de la colección) tiene vida al margen de los libros y que nos permitirá hacer otras propuestas como proyectos de animación…”. De hecho, el primero cómic creado ex profeso y que ya está en las librerías es Robinson Crusasán, de Salva Rubio y Cristina Pérez Navarro,  una proyecto que nació siendo un guión para un corto, ganador del primer premio de la IV Semana Internacional de Cortometrajes y Guiones Ciudad de Utrera, y que ha visto la luz antes como cómic. En el fanzine también encontramos trabajos, entre otros, de Rubén Varillas, Gaspar Naranjo, de los autores de Chupetes de Luna, José Urriola y Javier Velasco, que ya está en las librerías y que cuenta la curiosa forma que tienen unos padres de engatusar a su hija para quitarle el chupete; o un par de montajes fotográficos de la propia Olalla que crea sus historias a partir de imágenes antiguas y que próximamente publicará su primer libro.

“La literatura infantil ha avanzado muchísimo en los últimos años y en ámbito de la ilustración más aún. Pero no sólo por la demanda de los padres y de los niños, sino también por la iniciativa de los propios ilustradores que han ido encontrando su sitio en un país donde no había tradición, al contrario que ocurría en Francia, por ejemplo”. Sin embargo, esta narrativa se desenvuelven en un mercado de precariedad que se acentúa cuando incluye ilustraciones. Los adelantos en España suelen estar entre los 1.000 y los 1.500 euros, más el 5% que los autores reciben por ejemplar vendido de unas tiradas que no suelen superar los 2.000 ejemplares salvo reediciones, muy escasas en este ámbito. “Todo se presupuesta dependiendo del precio que le quieres poner al libro. Y hoy se considera que un libro o un cómic es caro si cuesta más de 15 euros, pero de ahí tiene que cobrar muchas personas”. El resultado es que un trabajo que puede llevar meses elaborarlo, apenas si termina siendo pagados con más de 2.500 euros. Y la crisis no sólo ha provocado un parón en la compra por parte de las familias, sino que también las bibliotecas públicas y de los colegios han dejado de renovar sus fondos. Pese a ello Olalla, que últimamente se ha centrado en la formación online para másteres y otros cursos, y que tiene gran experiencia en el trabajo con bibliotecas públicas, ha comprobado cómo aquellas que en tiempos de bonanza económica se esforzaron por mantener actualizados sus fondos y una agenda de actividades interesante, siguen siendo núcleos dinámizadores de la cultura en los barrios, “bulliciosas y vivas”. Fin que comparten con este fanzine y esta colección de cómics que reta y sumerge a la imaginación de los niños en historias abiertas y sugerentes, y a los adultos que les acompañan en la lectura, “un hábito que no debe abandonarse cuando los menores aprenden a leer”, como eso, inteligentes adultos lectores.

Ilustraciones publicados en el fanzine: 'El viaje', de Aitana Carrasco y 'Los regalos de papá', de Decur

Un momento del debate en Traficantes de sueños

¿Quién es mi amo?, es la pregunta que proponemos que se haga la escritora. Y por qué no, también, la editora y la lectora. Para ello reunimos en conversación a un director de revista literaria (Jaime Rodríguez Z.), a una novelista (Marta Sanz) y a un editor (Constantino Bértolo). Sus edades son dispares, así como sus lugares de nacimiento y sus trayectorias. En cambio se conocen, sus tiempos tejen o han tejido la red del mismo trabajo y ante el mismo capital. A quién sirve mi discurso y a quién sirve tu discurso debería ser nota mental o impresa al pie de toda comunicación pública, aunque el responsable final, el jefe supremo, sea para todos el mismo.

“Mi amo, como el amo de casi todos, es una sociedad anónima”, dice Constantino Bértolo. Se quiera o no, se sirve al capital y lo que vendemos le sirve al capital. “¿Cómo se ha producido esta servidumbre?”, se pregunta Bértolo. “Yo trabajo al servicio de esta multinacional para ganarme un sueldo y para ganarme un estatus, un capital simbólico que diría Pierre Bourdieu, aunque al final yo no distingo mucho entre capital simbólico y capital monetario porque el capital simbólico si no se convierte en dinero no es capital y para saber cuánto capital simbólico tienes en realidad lo que estás diciendo es cual es tu caché en el mercado. Se puede capitalizar siempre, el capital simbólico se ha exagerado en cuanto a su importancia”.

“Durante muchos años —reflexiona Jaime Rodríguez Z.— el supuesto estado del bienestar que todos hemos experimentado en la cultura española ha hecho que muchas personas de mi generación hayamos olvidado esta cosa que empezamos a redescubrir ahora. Una cosa que gente mucho más lista y con más experiencia que nosotros jamás ha olvidado. Durante mucho tiempo nosotros nos creímos la idea de la realidad como parque temático, un concepto muy de la postmodernidad, y eso ha hecho que en cierta medida estemos un poco adormecidos. Lo que siento es que mi deber ahora es acercar la literatura a la calle, llevarla a la calle, devolverla a la calle. Creo que hemos estado de espaldas a eso en los últimos tiempos. No me refiero al deber en un sentido más ideológico, sigo siendo una persona individualista, pero sí que siento una llamada hacia cosas urgentes”.

¿Qué es un discurso? Marta Sanz contesta: “mi discurso es el resultado de la capacidad de mis textos para ser permeables a lo que me rodea: neoliberalismo, paro, literatura anterior y contemporánea”. “Mi voz —prosigue— vuelve al mismo lugar del que salió, pero puede hacerlo por la vía del engorde de ese discurso hegemónico que ya no se siente como ideología, lo que Zizek llama la ideología invisible, o por la vía de la contestación a esas otras ideologías que sí se siguen llamando ideologías y que ya están cada vez más demonizadas. La primera opción sería la confortable y la segunda suele producir un cansancio agotador que siempre termina desembocando en la denuncia, aunque yo creo que el ratón puede acabar asustando a los elefantes”.

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Broadcasting live with Ustream

En la segunda jornada de “Cuando la ficción estalla en el espacio social“, nos planteamos una nueva cuestión que desarrollar entre todas. Las respuestas que intentamos a través de estos debates nunca son dicotómicas. Nunca puedes asirlas con demasiada certeza. Puedes tomarlas como invitaciones a un sendero. Y después decidir si lo caminas o aceptas las versiones oficiales, cómodas.

Radio-debate desde Traficantes de sueños

Lo que nos llevó a plantear esta pregunta, ¿Quién es la dueña de la literatura?, tiene que ver con cuestiones como la tradición romántica del autor y su musa; la actual discusión sobre propiedad intelectual y derechos de autor; el canibalismo del sector editorial y la certeza, tan pronto miramos hacia las fuentes, de que ninguna literatura nace inocente entre repollos.

Literatura y autor, obra, calidad, remezcla, origen, creación. Quisimos cuestionar toda esa altivez burguesa con la que nos enseñaron a mirar a las obras literarias y su historia. Así que nos arremangamos y dimos a la tarea de poner en cuestión todos estos conceptos, en un intento de deconstrucción que nos permita una mirada más limpia y una relación más igualitaria con los textos.

Y, así, este debate entra en consideraciones sobre el capital simbólico de la autora, los procesos de creación, la existencia (o no) de un imaginario autónomo que permita idear otro mundo y generar, como dice Eva Fernández, un “acto comunicativo que ejerza una función sanadora”.

Nuestras invitadas no te van a dejar un momento de respiro en esta lucha contra lo “impuesto”: Iván de los Ríos, traductor, filósofo y gefirofílico; Eva Fernández, novelista y miembro del colectivo Cine sin Autor; Silvia Nanclares, escritora, activista desde diversos frentes (entre ellos Bookcamping, quienes participan también en este programa aportando su bibliografía). Aceptaron nuestra invitación a dinamitar la literatura desde dentro, y con ellos comenzamos a desbrozar el camino.

“Empoderamiento” es el concepto que articula esta charla, y que proponemos tomar aquí como el conjunto de condiciones que han de darse para que, de una persona, salga una autora: alguien que se sabe con derecho y herramientas para generar un discurso y lo hace. Con un poquito de suerte, también le alcanza para entregarlo a la sociedad y difundirlo.

El programa ¿Quieres hacer el favor de leer esto, por favor? habla de literatura, que para nosotras es algo que linda con la capacidad de intervención en la realidad: generar ficciones es poner significados a cocinar, proponer grietas en lo posible, ampliar los espacios. También, dicen, la literatura es otras cosas: es producto, es mercado, es uno de esos actos culturales que a veces las instituciones promueven y cuidan, a su manera. No puede sino haber colisión entre una visión y la otra.

¿Cómo se sube el volumen de esto?: cómo hablar y alcanzar consideración literaria cuando no se pertenece al grupo de la sociedad que domina el capital simbólico. Las minorías, las subculturas, las personas feas, enfermas, locas o tullidas, los perdedores de la sociedad y los iletrados, ¿pueden apropiarse de una voz? Y, si esto se da, ¿consiguen una forma propia de contar?

Otro sentido, diverso, de la pregunta era: la hegemonía de la realidad y el discurso mediático que la afianza nos dejan poco margen a la creación (sí, en el transcurso de esta hora nos llaman aventuradas y provocadoras). Cuantas menos realidades poseemos, cuanto más se impone lo políticamente correcto, más estrecho es el circuito diseñado para la ficción. El trabajo del creador es romper ese esquema, así pues… ¿Se puede encontrar una forma de alzar la voz para otras realidades no-normativas? ¿Cuántas veces los argumentos se autocensuran en ciertas derivas, temas o tonos?

Para salir de estos loop auto-preguntadores sin fin, contamos con las voces de Rodrigo Soto, Begoña Huertas y Natalia Carrero: los tres son escritores que pelean, a diario, con algunos de estos interrogantes y nos ayudan a aproximarnos, con la punta de los dedos, a las estrategias que hagan subir el volumen a las voces. A todas las voces.

Detalle de portada de Poder freak vol. 2

Escondidas entre las montañas de libros que quizá nunca lleguen a tu librería cercana, hay unas pequeñas maravillas llamadas Poder freak (editadas por Libros crudos): dos volúmenes firmados por Jaime Gonzalo que, en contra de lo que pueden parecer a simple vista, están llenos de conocimiento, historia y pasión narradora.

Los dos volúmenes publicados bajo ese nombre nos cuentan el lado de la historia oculto bajo los tratados, nombres de presidentes y guerras, sobre todo en la segunda mitad del siglo XX. Nos cuentan, en definitiva, lo urdido desde lo subterráneo por el “poder juvenil”, la masa supernumerosa de pequeños nuevos consumidores que se desarrolla en las décadas centrales del siglo pasado y que, además, cuenta con preparación universitaria, bienestar social y acceso a la cultura como nunca antes había sucedido con la juventud. Es entonces cuando va y se rebela.

Jaime Gonzalo, quien fue director de la revista musical Ruta 66, lleva buena parte de su vida profesional envuelto en cultura juvenil y, con estos libros, tan intensos y extensos como se lo merecen, se ha propuesto desenmascararla. Así que desgrana tramo a tramo, región a región, la generación de movimientos de protesta, las nuevas músicas, las rebeliones y las formas de expresión de la juventud, sin olvidarese de lo más cercano. Estos Poder freak son disfrutables por muchos motivos, pero uno de ellos, no el menor, es el ejercicio interno de relación entre esos movimientos, lo político y lo económico.

En este programa revisamos algunos hechos de esa reciente historia cultural con Jaime Gonzalo, y también nos detenemos a entender ciertas cosas de nuestro presente en relación a esa historia. Desde esa luz, resulta más que pertinente detenerse a hablar y a desenredar la contracultura, sobre todo si se hace con un conversador de su talla.

El festival de 10 días, que va por su novena edición, ofrece filmes no aptos para espíritus frágiles, pues abordan asuntos crudos, como abusos, traumas y violencia.

“Los temas tratados en los filmes son duros, pero también sirven de inspiración por la forma en que se han superado abusos a los derechos humanos o por cómo han sido defendidas las víctimas”, dijo el responsable de programa del festival, Alex Rogalski.

“Te harán ver los titulares de otra forma”, remarcó.

El festival comienza con “Special Flight” (vuelo especial), un documental que retrata a solicitantes de asilo e inmigrantes sin documentos en el centro de detención de Frambois, en Suiza.

Atascados en el limbo, los inmigrantes tienen tres opciones: la amnistía, la deportación mediante “vuelos especiales” o salir del país de forma voluntaria. El veredicto sella su destino, sin posibilidad de apelación.

El filme siguió a una serie documental de Fernard Melgar, que derivó en varias películas divulgadas por Internet sobre el periplo de personas deportadas.

Por su parte, “This is my land… Hebron” (“Esta es mi tierra… Hebrón”), dirigida por Stephen Natanson y Giulia Amati, teje testimonios de palestinos y colonos israelíes, así como entrevistas a personas que quedaron atrapadas en el largo conflicto entre ambas partes.

Entre las valientes almas captadas por el filme figura un exsoldado israelí, quien se dedicó a ser guía y a ofrecer a los visitantes una perspectiva íntima de la vida en las calles de Hebrón.

“Hay muchas cosas que no sabemos, y creo que algunos de los israelíes entrevistados son maravillosos porque explican de forma muy clara cuál es la situación en Hebrón”, dijo Natanson.

Antigua ciudad en la que estaría ubicada la tumba de Abraham, Hebrón tiene 160.000 palestinos y entre 600 y 800 colonos, flanqueados por un contingente de 2.000 soldados israelíes cuya misión es proteger a estos últimos.

Las burlas diarias, las amenazas y las pedradas son parte de la vida cotidiana de la población palestina que, a veces, también es víctima de niños y niñas israelíes involucrados en el conflicto por sus padres.

Este otrora polo comercial con un significado especial para cristianos, judíos y musulmanes fue transformado por el conflicto en un verdadero pueblo fantasma con comercios tapiados y calles desiertas.

Los directores Natanson y Amati se propusieron captar el distanciamiento entre los residentes, y entre la ciudad y el resto del país.

“Solo podíamos observar la situación y hacer preguntas. Estas son las preguntas que hicimos y las respuestas que obtuvimos”, dijo Natanson. “Es difícil ver la situación en Hebrón e imaginar que puede ser distinto”, añadió.

Mientras, Lee Hirsch nos conduce por la vida de Tyler, Alex, Kelby y Jameya, adolescentes víctimas de bullying (acoso escolar).

El “Proyecto Bully” no solo capta el abuso emocional y físico que sufren, sino también expone las reacciones viciadas y sorprendentes de los administradores escolares que restan importancia al padecimiento de las víctimas, con el argumento de que los “niños siempre serán niños”.

El festival cerrará con “The Island President” (La isla del presidente), un filme que sigue la pista del expresidente de Maldivas, Mohammad Nashid. El director John Shenk analiza los desafíos de la recuperación económica y la demoracia de ese país del océano Índico, además de la lucha urgente contra el cambio climático.

El documental de Shenk, presentado en el Festival de Cine de Toronto de 2011, abre una ventana al submundo de la política durante el primer año de gobierno de Nashid.

Otros documentales destacados del Festival de Cine de Human Rights Watch son “Granito: how to nail a dictator” (Granito: como desenmascarar a un dictador), de Pamela Yates, que trata sobre la búsqueda de justicia tras el genocidio en Guatemala bajo la dictadura de Efraín Ríos Montt (1982-1983), y “The Price of Sex” (El precio del sexo), una obra de investigación sobre la trata sexual internacional que llevó a Mimi Chakarova a las calles de Moldova, Bulgaria, Turquía, Grecia y Dubai.

“Creo que estas películas son lo opuesto al escapismo, te introducen en la realidad de alguien, una realidad que quizá no conozcas”, indicó Rogalski.